What is it today fashion design?  “Fashion design”, two words, “fashion” and “design” that time after time became, considered both individually and together, two empty containers, static dimensions, resulting from an absence of thinking where the matter justifies every kind of content or rather its lack. After a long time of virtual absence, as I had nothing to tell, preferring the silence behind the happenings that peopled a sensitive realm, which is the picture of the times’ spirit. And after it arrived the covid-19. The pandemic brought losses and uncovered the criticalities of many systems concerning and surrounding the way of being, making and thinking of human being, it’s like a level, which puts everything and everyone on par, nullifying geographical, cultural, spiritual and mental limits and boundaries. A new drama, but it is also a chance to speed up those changes, evolutions where it enhances, protects, holds and develops all that is good there was and is concerning life, thought, culture of making and being, instead of the revolution where everything is destroyed. It is an invite to think and rethink about oneself, collaborate, giving everyone its modest contribution to reconstruct the world, Earth which hosts us and spread energy, electric circuits that turn on like lights in the dark. It seems like a metaphor which hopes for the return of a new Illuminism, to turn on again the light of reason, guide towards a new way of being human.  It talked often as political slogan about digital Renaissance, a new rebirth supported by technology, the digitization, something which is commonly used in a passive, superficial way without any creativity. I prefer talking about New-Baroque, word more useful to draw the current time, a moment where everything wavers, is uncertain, like in the seventeenth century, age of big conflicts, tragedies, religious war, as well as scientific findings and cultural progress, where the artifice it is used to emphasize reality and reveal the different point of views featuring in it. Dynamism as life which is movement towards something. Like yesterday our position is not the same, lost its centrality, priority, instead it is the same or inferior to the one of bats, minks, bees have all the same dignity as inhabitants of the planet, as well as mosses and lichens, living being, having also the plants a life, today undermined by man who altered the ecosystem and its equilibrium. The pandemic is a matter of fact which pushes the man to run and correct everything was until now undone and avoided to see under the sign of other, the blind search for a profit, a capitalistic economy, which is often predatory and produces iniquities into the planet and between the humans. We are a society of consumers instead of being human, commodified and commodifying, portrait eloquently taken yesterday by Pier Paolo Pasolini and Guy Debord, includes today more shades. Why do I talk about that?  Fashion is politics and like this last one it is redefining itself, resulting from the necessary ways connected to the social distancing, further possibilities as well as considering its core. In this New-Baroque dimension, the discernment, reason is a useful means to understand, feel and make.

Coming back to the core of my words, its founding core or rather the “fashion design”, though it would be more correct to talk about “fashion styling”, a custom featuring during the last decade in fashion which reached extreme edges, legitimating a brand identity, narrative in the best case scenario. Fashion is the touchstone which embodies the sedimented and implemented emptiness  during the last years. A decrease of the value and values, a slow and constant decay which produced stasis, boredom and false epiphanies, featuring naturally also the exceptions that confirm the rule. The innovation developed did not regard the design of fashion product, but only the textile design. The communication was the standard, supported also by its amplification on the social media which justified the proliferation and rise of many products ( accompanied by the unfamous small suitcase – evoking the invite to buy made in the  Naples  slang by Sophia Loren concerning the Parma ham – where everything becomes a bazaar, a street market, is on sale:, of whose some have no reason to exist in terms of sense and sign, just only like for marketing issues of the moment ( a recent example is the passing of brand Fenty, the label of luxury ready to wear established by the known pop-star Rihanna which will be for sure not missed by anybody). Behind the power of communication, artifice which gives a sense to the emptiness, the main feature of contemporary times, what there isn’t (art, creativity and values), what does it stay of this age? The craftsmanship became during those times, lacking anything else, something to recover, destroyed by the way of producing, turned today into the standard of made in Italy in particular and fashion in general, the beautiful and well son. Concerning the new, word which often yesterday was connected to creativity, today it stays just a few, because the operation of fashion styling – though it is creative – implies and ensemble, combination, revisitation and inspiration regarding  something which already existed ( and if you have an archive, this work becomes lighter and more refined). The ones who are more negative would tell fashion always went in this sense, nourished itself by using contaminations and inspiration. The limit becomes lighter, vanishing, impalpable when it concerns the realm of cultural appropriation, copy and plagiarism.  The first one got a recognition and protection in the legal field( it reminds the legal troubles involving  Isabel Marant, brand, which copied textile prints belonging to the cultural heritage of a community of Mexicans and recently also the shapewear brand  “Kimono” by Kim Kardashian, she had to rename and turn into “Skims solutions” in order to avoid the accusations for cultural appropriation( for further remarks see:,,,, More sensitive is the issue of becoming plagiarism after a sentence, which requests the start of a legal action from the victim against who copied. That does not concern only fashion, but also the realm of visual arts, as it evidenced the appeal judgement which condemned the famous artist Jeff Koons for having copied, by turning into sculpture a picture featuring in the advertising campaign of French brand Naf-Naf.(, The protection as intellectual works of fashion products does not give and full protection, except to the copy and sale of the same products, fake products, being the same and having same name and label. It would be useful if someone, a kind of authority would monitor that not only due to socio-economic issues, but also educational and cultural. When the present deletes  past,  its culture, featuring people who have memory problems and in many countries, like in Italy,  facing with problems of functional illiteracy, to discern, recognize  the talent, creativity and to give it the right value it is not only important for giving to anyone what deserves, but above all to arise culture, sensitiveness, consciousness, increasing the real ability to make, create which is something completely different from the copying, rough gesture, legitimized by ignorance of many ones,  considered as lack of knowledge, hidden and mystified by few ones, due to many interests. Here the media plays a relevant role, which has or rather should have the ethical duty to inform and tell, arguing without speaking up, paying tribute, but reporting just true news, which is conform to the reality.

Hermès lipstick

The copy is copy, to consider a creative as a visionary, who made this behaviour a habit, is unthinkable, but it happens.  Resulting from that it seems like everyone can play the role of a fashion designer, without knowing anything on design, construction and making of a garment. “It’s all a karaoke and that regards fashion, art and music”. Rightly thus recently told me a creative I deeply appreciate. What else when someone relies on somebody else without justifying or recognizing anything once it using a sign which is the main feature of a certain creative, it’s an evidence of vacuity, weakness and roughness of being and making. It also exists the intellectual honesty, as it evidences  Pierre Hardy, creative director of brand Hermès who, talking about the packaging  he created for the first lipstick of brand, launched one year ago, used  the color block, technique which depicts the sign of Jean-Charles de Castelbajc, iconic fashion designer and current creative director of United Colors of Benetton, considered as the man of color block( as well as accumulation of matter and many other I tell you more, talking in the forthcoming times about his sign, made concrete yesterday and today in the realm of fashion, visual arts and music),   expressly recognizing the use and paternity. This last one is a name which frequently come back when it is considered as a reference, instead of fashion designers as Jeremy Scott, Virgil Abloh, who are openly accused to be copycats by young fashion designers and artists( as it happened to the first one resulting from that:, )and other fashion designer like the Belgian  Walter Van Bereindonck ( , who asserted during an interview he given the current creative director of  Louis Vuitton who established the celebrated brand Off-White is a copycat. To see is to know, being the image more eloquent than many words.  To look at a garment created yesterday by Geoffrey Beene  and another one by Céline from the times of creative direction of brilliant Phoebe Philo, as the trench from the 1987 by the genius Spanish fashion designer Sybilla along with the one created by Jonathan Anderson featuring in the Fall/Winter 2021 womenswear collection bringing his name, invites to ask yourself questions and give yourself answers. It’ s an exercise of consciousness, as the mind must be opened fully as a parachute.


Che cosa è oggi il fashion design?  “fashion design”, due parole, “moda” e “progettazione” che da tempo gradualmente sono divenuti, da soli e in compagnia, due contenitori vuoti, dimensioni statiche, risultanti da una assenza di pensiero in cui la materia giustifica ogni tipo di contenuto o meglio la sua deficienza. Dopo un lungo periodo di assenza virtuale, avendo preferito il silenzio dinanzi agli avvicendamenti che hanno popolato un ambito sensibile, fotografia dello spirito del tempo.  E poi è arrivato il covid-19. La pandemia, ha portato perdite e scoperchiato le criticità di vari sistemi che toccano e abbracciano il modo di essere, fare e pensare dell’essere umano, una livella, che parifica tutto e tutti, vanificando limiti e confini, geografici, culturali, spirituali e mentali. Un nuovo dramma, ma anche una opportunità per accelerare quei cambiamenti, evoluzioni, dove si valorizza, preserva, mantiene e consolida ciò che di buono c’era e c’è ancora in termini di vita, pensiero, cultura del fare e dell’essere, diversamente dalle rivoluzioni in cui si distrugge tutto. Un invito a pensare e ripensarsi, collaborare, dando ciascuno il proprio contributo per ricostruire un mondo, la terra  che ci ospita e veicolare energia, circuiti elettrici che si accendono come lumi al buio. Sembrerebbe una metafora che auspica il ritorno di un nuovo illuminismo, riaccendere i lumi della ragione, la guida verso un nuovo modo di essere umani. Spesso si è parlato come slogan politico e speranza di rinascimento digitale, una nuova rinascita sorretta dalla tecnologia, la digitalizzazione, di qualcosa che spesso si usa passivamente,  approssimativamente, senza creatività. Preferisco invece parlare di neo-barocco, qualificazione più pregnante, per disegnare l’ oggi,  un momento in cui tutto vacilla, è incerto, come nel seicento, epoca di grandi conflitti, tragedie,  guerre di religione, ma anche grandi scoperte scientifiche e progressi culturali, in cui l’ artificio è  stato usato per enfatizzare la realtà e portare alla luce i diversi punti di vista di cui è fatta. Dinamismo, come la vita che è movimento verso qualcosa. Come allora la nostra posizione all’ interno del mondo non è più la stessa, vacilla, non è centrale, come si pensava, anzi è pari e/o anche inferiore a quella di pipistrelli, visoni, api e parimenti hanno la loro dignità di abitanti del pianeta terra come i muschi e licheni, esseri viventi, avendo anche le piante una vita, minata oggi dall’ uomo che ha alterato l’ecosistema e il suo equilibrio. La pandemia è un fatto che spinge a correre e correggere tutto ciò che finora non è stato fatto e si è fatto finta di non vedere in nome di altro, del cieco inseguimento di un profitto, di una economia capitalistica, sovente predatoria che ha prodotto iniquità nel pianeta e tra gli esseri umani. Siamo una società di consumatori e non esseri umani, mercificata e mercificatoria, ritratto già eloquentemente disegnato ieri da Pier Paolo Pasolini  e Guy Debord che oggi si è arricchito di più sfumature. Perché sto parlando di questo? La moda è  politica e anch’ essa si trova in fase di ridefinizione, non soltanto per le nuove modalità necessitate dal distanziamento sociale, ulteriori possibilità, ma per la sua essenza. In questa dimensione neo-barocca, il discernimento, la ragione, ma anche il sentimento è un utile strumento per comprendere, sentire e fare.

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Tornando all’ argomento fondante del mio dire ovvero il “fashion design”, anche se sarebbe più corretto parlare di “fashion styling”, una prassi della ultima decade della moda che ha raggiunto punte eccelse, legittimando una identità di marchio, una narrazione nella migliore delle ipotesi. La moda è una cartina di tornasole che ingloba il vuoto sedimentato e implementato negli ultimi anni. Un abbassamento di valori, un lento e graduale disfacimento che ha prodotto, stasi, noia e false epifanie, con le eccezioni ovviamente che confermano la regola. L’ innovazione non ha toccato la progettazione del prodotto moda, bensì eminentemente il textile design. La comunicazione è stata il vessillo, sorretta anche dalla amplificazione sui social  media che ha giustificato la proliferazione e nascita di una varietà di prodotti ( accompagnati dalla famigerata valigetta, che evoca “accattatevillo”,  il simpatico invito in napoletano di Sofia Loren a comprare  il prosciutto di Parma , in cui tutto diventa un bazaar, mercatello, è in vendita:, alcuni dei quali non avevano ragion d’ essere, in termini di senso e di segno, ma solo come  marketing del momento ( un esempio recente, la dipartita del marchio Fenty, la linea di pret à porter di lusso della nota pop-star Rihanna di cui nessuno sentirà la mancanza). A fronte del potere della comunicazione, artificio che dà senso a un vuoto, che è essenza del presente, quello che non c’è:  arte, creatività, valore e valori. Che cosa resta del momento? L’ artigianalità, da anni divenuta, in assenza di altro, qualcosa da recuperare, distrutto dal modo stesso di produrre è oggi  baluardo del made in Italy in particolare e della moda in generale, il bello e ben fatto. Quanto al nuovo, qualificazione che spesso ieri si accompagnava alla creatività, oggi resta ben poco, perché l’operazione di fashion styling – seppure creativa – implica un assemblaggio, combinazione, rivisitazione e ispirazione che inerisce ciò che già esisteva ( e se poi si ha un archivio, questo lavoro diventa ancor più leggiadro e sofisticato). I più critici direbbero che la moda ha sempre operato in questo senso, si è nutrita di contaminazioni e ispirazioni. Il confine però diventa sottile, evanescente, impalpabile quando si tocca un ambito come quello della appropriazione culturale, copia e plagio. La prima negli ultimi anni ha avuto un riconoscimento e tutela dal punto di vista giuridico (si ricordano le questioni legali  che hanno coinvolto il brand Isabel Marant, che ha copiato le stampe tessili appartenenti all’ heritage culturale di una comunità di messicani e recentemente anche il marchio  di shapewear “Kimono” di Kim Kardashian, da lei dovuto rinominare e trasformare in “Skims solutions” per fugare le accuse di appropriazione culturale. Per ulteriori delucidazioni v. :,,,, Più delicata è invece la fattispecie della copia che diventa plagio dopo una sentenza, quindi l’ avvio di una azione legale da parte del soggetto leso contro chi ha copiato. E ciò non tocca solo la moda, ma anche l’ arte, come si evince la recente sentenza di appello che ha condannato il famoso artista Jeff Koons per aver copiato, trasformando in scultura, una foto della campagna pubblicitaria del marchio francese Naf-Naf(, La protezione quali opere dell’ingegno dei prodotti moda non offre loro una tutela piena, ad eccezione della copia e vendita dei cosiddetti falsi, prodotti dello stesso tipo, nome ed etichetta. Sarebbe utile che un’ autorità vigilasse su questo anche per motivi divulgativi e culturali. In un presente che cancella il passato e la sua cultura, con una popolazione che ha problemi di memoria e in varie parti del mondo, come in Italia, versa pure nell’ analfabetismo funzionale, discernere, riconoscere il talento, la creatività e darne il giusto valore, non è importante solo e unicamente per dare a ciascuno il suo, ma anche e soprattutto per generare cultura, sensibilità, consapevolezza, incentivando la reale capacità di fare, creare che è poi ben diverso dal copiare, gesto volgare, legittimato dall’ ignoranza di molti,  ovvero mancanza di conoscenza, sottaciuto e mistificato da pochi per ragione di cassa e di interesse. E qui si chiama in causa l’informazione che ha il dovere etico di informare e dire, argomentando, senza urlare,  né ossequiare, ma riportare una notizia vera, aderente alla realtà.

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Jean-Charles de Castelbajac Spring/Summer 2009

La copia è copia, ma considerare un creativo visionario, chi ha fatto di questo una prassi è ben altro, è impensabile, eppure si fà. “E’ tutto un karaoke e ciò riguarda la moda, l’ arte e la musica”. Così mi ha recentemente detto uno dei creativi che di più stimo e apprezzo e a ragione. Che dire invece quando qualcuno si rifà ad un altro senza neppure giustificare alcunché o riconoscere avvalendosi di un segno, che è peculiarità di un determinato creativo, segno di vacuità, debolezza e aggiungo volgarità dell’ essere e fare. Esempi di onestà intellettuale ed etica esistono, uno di questi è Pierre Hardy, il direttore creativo del marchio Hermès che, parlando del packaging  da lui creato per il primo rossetto del brand, lanciato lo scorso anno, si è avvalso del color block che nella moda descrive il segno di Jean-Charles de Castelbajc, iconico fashion designer e attuale direttore creativo del marchio United Colors of Benetton, considerato l’ uomo del color block( ma anche dell’ accumulazione e di molto altro, su cui mi riservo di tornare, per parlare più ampiamente  suo fare che si è generosamente concretizzato nell’ ambito della moda, dell’ arte ed anche della musica, ieri ed oggi), riconoscendone esplicitamente l’ uso e la paternità. Un nome che ritorna spesso quando si accarezza questo argomento, ovviamente come riferimento, diversamente da fashion designers quali Jeremy Scott, Virgil Abloh, che sovente sono stati pubblicamente chiamati in causa quali autori di copie da giovani fashion designers e artisti, il primo, e colleghi quali il fashion designers belga Walter Van Bereindonck ( come si evince da ciò:, ,, il quale ha pubblicamente affermato durante un’ intervista che l’ attuale direttore creativo di Louis Vuitton uomo e fondatore del celebre marchio Off-White è un copione. Vedere è conoscere e in quest’ ambito l’ immagine è più eloquente di tante parole. Osservare un capo disegnato ieri da Geoffrey Beene e un altro di Céline, ai tempi della direzione creativa della brillante Phoebe Philo, come anche il trench risalente al 1987 della geniale fashion designer spagnola Sybilla unitamente a quello creato da Jonathan Anderson per la collezione autunno-inverno 2021 del marchio che porta il suo nome spinge a farsi alcune domande sulla moda, quella contemporanea e a darsi delle risposte. Questo è un mero esercizio di consapevolezza, poiché la mente và aperta tutta come un paracadute.

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Louis Vuitton Fall/Winter 2020


Sylvio Giardina Spring/Summer 2020, photo by N

It has recently presented during the Altaroma Winter editionDark celebration”, the Spring/Summer 2020 haute couture collection by Sylvio Giardina, featuring catchy constructions and fine decorations that refining the garments as the headpieces and shoes designed by the celebrated shoe-designer Ernesto Esposito. A dark atmosphere under the sign of black – alternated by vibrant shades of orange and blue, as well as silver and gold of lame cloths -, which ends with the light of music, the music track “The Maze” by David Motion and Sally Potter (which is part of the “Orlando” movie soundtrack).




È stata di recente presentata in occasione dell’ edizione invernale di AltaromaDark celebration”, la collezione alta moda primavera/estate 2020 di Sylvio Giardina, di cui sono protagoniste accattivanti costruzioni e raffinati decori che rifiniscono i capi come gli accessori per capelli e le calzature disegnate dal celebre designer Ernesto Esposito. Un’ atmosfera tenebrosa – all’ insegna del nero, alternata da vibranti nuances di arancio e blu, come anche argento e oro dei tessuti laminati – che si conclude con la luce di una musica, il brano “The Maze”di David Motion e Sally Potter (che fà parte della colonna sonora del film “Orlando”).


Details from the Sylvio Giardina Spring/Summer 2020 fashion show, the shoes  by Ernesto Esposito for Sylvio Giardina, photo by N


Sylvio Giardina Spring/Summer 2020, photo by N



Malcom McLaren, genius, eclectic individual, who, along her wife Vivienne Westwood – created the iconic  SEX Boutique in London – , codified the punk subculture during the Seventies, changing the face of music, fashion and style. He was well known as the creator of the British punk band Sex Pistols and later of band Bow Wow Wow. A catalyst of ideas, signs and culture as it has also evidenced by his work as singer. I like to remember the music track he made “Deep in Vogue” from the early Eighties, where he developed a trend arisen in the gay clubbing scene since the Sixties, the “Voguing” dance ( which, later, in the early Nineties Madonna brought into the pop culture with the music video “Vogue “). In 1980, he asked to the writer Barry Cain for helping to make his story, “Malcom McLaren: the autobiography”( Red Planet, 368 pages, $26.95), which will be released on 3rd March 2020. A not to be missed book to know more about an age, its culture, an awesome mind and his brilliant work.





Malcom McLaren, genio, eclettica individualità, colui che, insieme alla moglie Vivienne Westwood – ha creato l’ iconica boutique SEX a Londra -, ha codificato la subcultura punk negli anni Settanta, cambiando il volto della musica, moda e dello stile. Noto come il creatore e manager della band punk inglese Sex Pistols e successivamente di Bow Wow Wow. Un catalizzatore di idee, segni e cultura come è dimostrato anche dal suo lavoro di cantante. Mi piace ricordare la sua traccia musicale “Deep in Vogue”, risalente ai primi anni Ottanta, in cui ha consolidato un trend nato nella scena dei club gay a partire dagli anni Sessanta, il ballo “Voguing” ( che più tardi, agli inizi degli anni Novanta Madonna ha sdoganato nella cultura pop con il video musicale “Vogue”). Nel 1980, ha chiesto allo scrittore Barry Cain di aiutarlo a realizzare la sua storia, “Malcom McLaren: the autobiography”( Red Planet, 368 pages, $26.95), che sarà pubblicato il 3 marzo 2020. Un libro imperdibile per conoscere di più su un’ epoca, la sua cultura, una superba mente e il suo brillante lavoro.


Malcom McLaren





Eugeny Antufiev, photo by N


It has recently opened in Naples at the San Giuseppe delle Scalze Church, “Dead Nations: golden age version, the solo exhibition of Eugeny Antufiev, running through 25th October 2019, curated by Marina Dacci, organized in collaboration with the Rome Sara Zanin Z2O Gallery, sponsored by Donnaregina Foundation for the contemporary arts/Naples MADRE. It was an awesome showcase under the sign of lightness, deepness and refinement, an  touching story on the human being.


Eugeny Antufiev, photo by N

References, assonances and overlaps, semi-darkness and tracks of matter from the past, consumption, spirituality, light memory of the building, gives rise to a syncretic tale, ontologically incomplete which concerns the human being and its vital dynamism, impressed in different mediums – natural elements as wood, gems and metals -, sculptures and installations that evidence the eclecticism of the bright and young Russian artist.

Eugeny Antufiev, photo by N


Eugeny Antufiev, photo by N

Feeling, sacredness, bravery, mysticism and theatricality, different shades paint humanity and its vital flux, the always, eternal return, infinity. Symbols and iconographies as the snake – reminding me of ouroboros which eats its tail and the cyclic time – far from being a mere juxtaposition of memories and signifiers, track the lines of a rhizomatic thinking which opens to the universal, goes beyond time.


Eugeny Antufiev, photo by N

Gold, a color, sacred element, material transposition of power,  is another leitmotiv of exhibition path which emphasizes the story of

Antufiev with lightness and pop suggestions talking about contemporary times.




Eugeny Antufiev, photo by N

É stata recentemente inaugurata a Napoli presso la Chiesa di San Giuseppe delle Scalze, “Dead Nations: golden age version, la personale di Eugeny Antufiev, che prosegue fino al 25 ottobre 2019, curata da Marina Dacci, organizzata in collaborazione con Sara Zanin Z2O Gallery di Roma, matrocinata dalla Fondazione Donnaregina per le arti contemporanee/MADRE Napoli. Una fantastica rassegna all’ insegna della leggerezza, profondità e raffinatezza, emozionante storia sull’ essere umano.


Eugeny Antufiev, photo by N

Richiami, assonanze e sovrapposizioni, penombra e tracce materiche del passato, consunzione, spiritualità, viva evocazione dell’ edificio, danno vita a un racconto sincretico, ontologicamente incompleto che riguarda l’ essere nel suo vitale dinamismo. Sentimento e sacralità, impresso in diversi medium – elementi naturali quali il legno, pietre semi-preziose e metalli -, sculture e installazioni che evidenziano l’ eclettismo del brillante e giovane artista russo.


Eugeny Antufiev, photo by N


Eugeny Antufiev, photo by N


Sentimento, eroismo, misticismo e teatralità, diverse sfumature dipingono l’ umanità nelle sue molteplici sfumature e il suo flusso vitale, il sempre, l’ eterno ritorno, l’ infinito. Simboli e iconografie, quali il serpente – che mi fa tornare alla mente l’ alchemico uroboro che si morde la coda e il tempo ciclico -,  lungi dall’ essere una mera giustapposizione di memorie e significanti, tratteggiano le linee di un pensiero rizomatico, che si apre all’ universale, va oltre il tempo.


Eugeny Antufiev, photo by N


Eugeny Antufiev, photo by N


L’ oro, un colore, elemento sacrale, trasposizione materica del potere è un altro leitmotiv del percorso espositivo che enfatizza il discorso di Antufiev con levità e suggestioni pop che parlano di contemporaneità.


performance by Eugeny Antufiev, photo by N


performance by Eugeny Antufiev, photo by N


performance by Eugeny Antufiev, photo by N


performance by Eugeny Antufiev, photo by N


Sara Zanin,, Marina Dacci and me, myself and I, photo by N 



Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui

Horror vacui – the fear of emptiness, which in the realm of visual arts turns into the urge of fulfilling empty spaces with all kinds of details – becomes the cornerstone of brand, bringing this name, created in 2012 by the brilliant Munich fashion designer Anna Heinrichs. To cultivate diversity and celebrate individuality is her main purpose, resulting from  an awesome alchemy made of vibrant colors, modern patterns, unexpected materials and a refined manufacture which draws a new idea of luxury – available in the most exclusive stores as Antonia in Italy, Joyce in China – where sartorialism joins to craftsmanship and poetry.


Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui





Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui

Horror vacui – la repulsione per il vuoto che nell’ ambito delle arti visive si trasforma nell’ esigenza di riempire spazi vuoti con ogni tipo di dettagli – diviene l’ elemento fondante del marchio che ne porta il medesimo nome, creato nel 2012 dalla brillante fashion designer di Monaco di Baviera Anna Heinrichs. Coltivare la diversità e celebrare l’ individualità, il cui risultato è una fantastica alchimia di vibranti colori, pattern moderni, materiali inaspettati e una raffinata manifattura che disegna una nuova idea di lusso – disponibile nei negozi più esclusivi come Antonia in Italia, Joyce in Cina –  in cui la sartorialità si unisce all’ artigianalità e alla poesia.


Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui


Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui


Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui


Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui


Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui


Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui




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Curators at the London museum connect the group’s distinctive visual identity to strategies employed by the Suffragettes.

Naomi Rea

A bold hourglass symbol signaling that time is running out for the planet efficiently communicates the mission of the climate change activist group Extinction Rebellion, which has staged mass protests across the globe over the past eight months. Now, the group’s unique iconography has earned it a place in a museum collection: the Victoria & Albert Museum in London recently acquired a series of objects communicating its unique design aesthetic.

“Design has been key to Extinction Rebellion’s demands for urgent action on climate change,” the museum’s senior curator of design and digital, Corinna Gardner, said in a statement.

The artifacts were collected as part of the museum’s “rapid response collecting” initiative, which documents and displays designs addressing landmark contemporary events. The collection, which started in 2014, now comprises more than 30 objects, including a protest umbrella from Hong Kong’s 2014 Umbrella Movement.


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Extinction Rebellion’s logo was originally designed by the street artist ESP in 2011. The symbol was adopted (with permission) by the movement, which also goes by the shorthand XR, in 2018. The objects to join the V&A’s collection include flags emblazoned with the symbol carried at mass demonstrations; a rare original example of the official declaration that was released alongside the group’s first action in London; and open-source materials the group has made available to download online.

By making the brightly colored prints and punchy slogans widely available for download, Gardner says the movement has been able to empower people to get involved on their own while ensuring a consistent visual identity and message for the global movement. Gardner likens the design approach to that of the Suffragettes, who encouraged supporters to wear purple, green, and white to communicate their cause.


Extinction Rebellion has been staging nonviolent public actions in cities around the world since October 31 last year, when more than 1,500 people assembled in London’s Parliament Square to announce a Declaration of Rebellion against the UK government, calling for urgent action on climate change. Their demands prompted the government to declare a “climate and ecological emergency” on May 1 and commit to reducing emissions to net zero by 2025. XR now has more than 363 active groups in 59 countries, including Spain and South Africa.

The activist organization also has its own arts group that oversees its strategic designs. Unifying visual elements include the Extinction Symbol, the XR logotype, a 12-tone color palette influenced by pop artist Eduardo Paolozzi, and two custom two fonts, “FUCXED” and “Crimson.”

The Extinction Rebellion Arts Group is pleased that the V&A is showing their work for free. “The Climate and Ecological emergency is THE issue of our time and art and design is crucial to our non-violent actions and communication,” said Clive Russell, a representative for the group, in a statement. “We call on all artists and designers to think beyond the bullying constraints of commercial drudgery and join us in rebellion.”




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I curatori del museo di Londra Victoria & Albert collegano la distintiva identità visiva del gruppo alle strategie usate dalle Suffragette.

Naomi Rea

Un simbolo di una clessidra in neretto per segnalare che il tempo per il pianeta sta per finire comunica in modo efficace la missione del gruppo di attivista per il cambiamento climatico Extinction Rebellion, il quale ha allestito proteste di massa per il globo da più di otto mesi fa. Adesso l’ iconografia unica del gruppo ha guadagnato un posto nella collezione di un museo: il Victoria & Albert Museum a Londra ha recentemente acquisito una serie di oggetti che comunicano la sua unica estetica di design.

“Il design è stato la chiave per le richieste di Extinction Rebellion finalizzate a una azione tempestiva in merito al cambiamento climatico”, il senior curator di design e digital del museo Corinna Gardner ha così affermato in una dichiarazione.

Gli artefatti sono stati raccolti come parte della “rapida risposta a collezionare” dell’ iniziativa museale che documenta e mostra i disegni facenti riferimento agli eventi contemporanei. La collezione, che ha avuto inizio nel 2014, comprende ora più di una trentina di oggetti, comprensivi di un ombrello di protesta proveniente dall’ Umbrella Movement del 2014 di Hong Kong.


Il logo di Extinction Rebellion è stato originariamente disegnato dallo street artist ESP nel 2011. Il simbolo è stato adottato ( previa autorizzazione) dal movimento, a cui segue anche l’ abbreviazione XR nel 2018. Gli oggetti che entrano a far parte della collezione del V&A includono bandiere che hanno inciso il simbolo portato alle dimostrazioni di massa, un raro esemplare originale della dichiarazione ufficiale pubblicata contemporaneamente alla prima azione dimostrativa del gruppo a Londra; e materiali open-source che il gruppo ha reso disponibili per il download online.

Rendendo le stampe brillantemente colorate ed i vibranti slogan ampiamente disponibili per il download, Gardner sostiene che il movimento è stato capace di incoraggiare la gente ad esser coinvolti individualmente e al tempo stesso assicurare una significativa identità visiva e un messaggio per il movimento globale. Gardner paragona l’ approccio al design a quello delle Suffragette, che ha incoraggiato i sostenitori a indossare porpora, verde e bianco per comunicare la loro causa.

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Extinction Rebellion è stata impegnata ad organizzare azioni pubbliche non violente in città di tutto il mondo a partire dal 31 ottobre dello scorso anno, quando più di 1,500 persone si sono radunate presso la Parliament Square di Londra per annunciare una Dichiarazione di Ribellione contro il governo del Regno Unito, richiedendo un intervento urgente per il cambiamento climatico. Le loro richieste hanno indotto il governo a dichiarare una “emergenza climatica ed ecologica” l’ 1 maggio e impegnarsi a ridurre le emissioni di rete a zero dal 2025. XR ha ora più di 363 gruppi attivi in 59 stati che comprendono Spagna e Sud Africa.

L’ organizzazione attivista ha anche il suo gruppo di artisti che supervisiona i suoi disegni strategici. L’ unificazione di elementi visivi include il Simbolo di Estinzione, il logo XR, una paletti di colori di 12 tonalità influenzata dall’ artista pop Eduardo Paolozzi, e due font realizzati appositamente, “FUCXED” e “Crimson.”


L’ Art Group Extinction Rebellion è lieto che il V&A mostri la loro opera gratuitamente.“L’ emergenza climatica ed ecologica è la problematica del nostro tempo e l’ arte ed il design è fondamentale per le nostre azioni non violente e la comunicazione,” come Clive Russell ha detto, un rappresentante del gruppo, in una dichiarazione. Invitiamo tutti gli artisti e designers a pensare al di là dei limiti delle prepotenze del lavoro noioso commerciale e unirvi a noi nella ribellione.”

The V&A Has Acquired Signs, Fonts, and Symbols Developed by the Climate-Change Activist Group Extinction Rebellion




It will be released on 15th May 2019 in France, 13th June 2019 in Italy and 14th June 2019 in the United States “The Dead don’t die”, by Jim Jarmusch, opening the 2019 edition of Cannes Film Festival, featuring an iconic cast, including Iggy Pop, Bill Murray, Chloë Sevigny, Tilda Swinton, Tom Waits, Steve Buscemi, Danny Glover, RZA and Selena Gomez. After the vampires of “Only lovers left alive”, the celebrated indie filmaker comes back with a bright horror comedy featuring the zombie, the living dead people. A not to be missed movie by an eclectic artist.





Sarà in uscita il 15 maggio 2019 in Francia, il 13 giugno 2019 in Italia ed il 14 giugno 2019 negli Stati Uniti d’ America “The Dead don’t die”(“I morti non muoiono”), di Jim Jarmusch, che aprirà l’ edizione 2019 del Festival del Cinema di Cannes di cui sarà protagonista un cast iconico, che comprende Iggy Pop, Bill Murray, Chloë Sevigny, Tilda Swinton, Tom Waits, Steve Buscemi, Danny Glover, RZA e Selena Gomez. Dopo i vampiri di “Solo gli amanti sopravvivono”, il celebre regista indie torna con una brillante commedia horror che ha quali protagonisti gli zombie, i morti viventi. Un film imperdibile di un artista eclettico.



Moschino Spring/Summer 1991

It will be held tomorrow the MET Gala in New York , raising-fund event  for the Metropolitan Museum created yesterday, in 1948 by the fashion journalist Eleonor Lambert, conceived as a gala dinner before the opening of exhibition, since 1972 it has managed by the Vogue editor in chief Diana Vreeland and the evening became a renowned happening for divas and celebrities – organized by the Vogue America editor in chief Anna Wintour having as theme of dress-code requested the name of exhibition, curated by Andrew Bolton, sponsored by Gucci, “Camp: notes on fashion” which will be held at the Met Museum from 9th May to 8th September 2019. This title has drawn inspiration by the essay by Susan Sontag which pays homage to camp, a relevant sign impressed in the culture: “camp is all that is extravagant, theatrical, exaggerated, which gives the chance to read again the codes from the past and stand out from the mass. It’s a bit posh, artificial. It’s mostly incongruous”. It’s an artifice, where excess combines to eccentricity, assertiveness and irony, a relative of trash – its son, if it is consider trash as a matrix, which is instead a spontaneous phenomenon -, turned into a standard of elegance, institutionalized yesterday and today by brands as Moschino, Jeremy Scott and Gucci by Alessandro Michele.




Schiaparelli Couture, Fall/Winter 2018-2019


Si terrà domani il MET Gala a New York , evento di raccolta fondi a beneficio del Metropolitan Museum – creato ieri, nel 1948 dalla giornalista di moda Eleonor Lambert, concepito come cena di gala che precede la opening della mostra, a partire dal 1972 la sua organizzazione è stata gestita dalla direttrice editoriale di Vogue America Diana e la serata è divenuta un happening rinomato per dive e celebrità – organizzato dalla editor in chief di Vogue America Anna Wintour che ha come tema del dress-code il nome della mostra, curated by Andrew Bolton, sponsorizzata da Gucci, “Camp: notes on fashion” che si terrà presso il Met Museum dal 9 maggio all’ 8 settembre 2019. Questo titolo trae ispirazione dal saggio di Susan Sontag che rende omaggio al camp, rilevante segno impresso nella cultura: è tutto quello che è stravagante, teatrale, esagerato, che permette di rileggere i codici del passato e spiccare tra la massa. Un po’ snob, un po’ artificioso. Spiccatamente incongruo. Un artificio, in cui l’ eccesso si combina con l’ eccentricità, assertività e ironia, un parente del trash – il figlio, se si consideri il trash una matrice, che diversamente da esso è un fenomeno spontaneo -, trasformato in uno standard di eleganza, istituzionalizzato ieri ed oggi da Moschino, Jeremy Scott e Gucci by Alessandro Michele.


Gucci by Alessandro Michele, Fall/Winter 2016-2017


Moschino by Jeremy Scott, Spring/Summer 2018





A not to be missed happening is having place now, The Carnival of Chaos, a street party running through the 11:59 pm in London at Cockspur Street 14, outside the Brazil Embassy, organized by Extinction Rebellion Fashion to celebrate the Amazon Rainforest’s biodiversity, it’s custodians, all the heroes around the world fighting to protect as Vivienne Westwood ( , legendary fashion designer, social activist and environmentalist who will attend at the event – and invite the Brazilian and global Governments to tell the truth about the consequences of exploiting the Rainforest and to call for them to act now.
Carnival is a celebration of life and chaos, it refers to the Earth’s ecological systems that are incredibly sensitive and encourages to think about how a small change can have a ripple effect, causing the system to behave in a completely different way and evidencing every individual also through modest actions can make the difference.





Un evento imperdibile sta avendo luogo adesso, Il Carnival of Chaos, uno street party che proseguirà fino alle ore 23:59 a Londra presso Cockspur Street 14, fuori dalla Ambasciata del Brasile, organizzato da Extinction Rebellion Fashion per celebrare la biodiversità della foresta pluviale dell’ Amazzonia, i suoi custodi, tutti gli eroi del mondo – come Vivienne Westwood (( ), leggendaria fashion designer, attivista nel sociale e ambientalista che parteciperà all’ evento – ed invitare il Brasile, i governi di tutto il mondo a dire la verità sulle conseguenze derivanti dalla deforestazione della foresta amazzonica ed agire ora.
Il carnevale, celebrazione di vita e caos, si rivolge ai sistemi ecologici della terra che sono oltremodo sensibili e incoraggia a pensare in che misura un piccolo cambiamento possa avere un effetto domino, portando il sistema a reagire in un modo completamente diverso e dimostrando che ogni singolo individuo anche attraverso modeste azioni può fare la differenza.


The hydroponic green fountain by Vertical Farm Italia at Floracult, photo by N

It was just only one day I spent in the Rome countryside in La Storta at I Casali del Pino where it was held the tenth edition of Floracult, event created by the bright fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi, focused on the nature and its culture that featured books launches, talks and permanent installations to pay homage and celebrate the natural world and their little hosts. A smashing chance to come back, enjoy a beloved place, discover and share new ideas and emotions.



A talk on sustanaibility in fashion design at Floracult featuring Andrea Lupo Lanzara(managing director of Rome Costume and Fashion Academy), Luigi Mulas Debois (professor and coordinator of bag design course at the Rome Costume and Fashion Academy), the students of Rome Costume and Fashion Academy and the fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi, photo by N


Soltanto un giorno, quello da me trascorso nella campagna romana a La Storta presso I Casali del Pino in cui si è tenuta la decima edizione di Floracult, evento creato dalla brillante  fashion designer e attivista nel sociale Ilaria Venturini Fendi, incentrato sulla natura e la sua cultura di cui sono stati protagonisti presentazioni di libri, talks ed eventi permanenti per rendere omaggio e celebrare il mondo della natura ed i suoi piccoli ospiti. Una formidabile occasione per ritornare, apprezzare un luogo a me molto caro, scoprire e condividere nuove idee ed emozioni.

Floracult,, photo by N


Barni roses at Floracult, photo by N


Floracult, photo by N


Socially made in Italy, project developed by Carmina Campus, brand created by Ilaria Venturini Fendi, photo by N


Socially made in Italy, project developed by Carmina Campus, brand created by Ilaria Venturini Fendi, photo by N


Socially made in Italy, project developed by Carmina Campus, brand created by Ilaria Venturini Fendi along with the creations of jewelry brand See Me by Caterina Occhio made for the no-profit organization The Circle,, photo by N


Floracult, photo by N


Jewelry made of cactus at Floracult, photo by N


Floracult, photo by N


The AVF wines selection by Anna Venturini Fendi at Floracult, photo by N


The AVF capsule collection at Floracult, photo by N


Floracult, photo by N


Ilaria Venturini Fendi and Abderrazzak Benchaâbane, photo by N


Floracult, photo by N


Theodora Bugel and me at Floracult, photo by Sergio Cammariere



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